Entretien avec Sara Summa réalisatrice, scénariste, actrice franco-italienne, réalisé par Milvia Pandiani-Lacombe, Conseillère Culturelle de l’Alliance Française de Trieste.
Sara Summa, a déjà réalisé plusieurs courts métrages, puis un premier long-métrage Gli ultimi a vederli vivere, et son deuxième long-métrage Arthur & Diana a été sélectionné et projeté dans le cadre du Trieste Film Festival en janvier dernier. À cette occasion elle a accepté de nous accorder cet entretien pour l’Alliance Française de Trieste afin de nous faire connaître son parcours, nous parler de son dernier film et de ses projets cinématographiques à venir.
Était-ce une évidence de devenir réalisatrice ? Et quel a été votre parcours ?
Devenir réalisatrice est une nécessité qui s’est imposée à moi : je devais faire des films, rien d’autre n’était envisageable. Je devais donner ma vision, c’est une manière d’être au monde.
Des images s’imposent à moi et doivent sortir, se montrer, se proposer à un public.
Cette nécessité vient aussi du fait que je souhaitais faire cette exploration plus philosophique, plus théorique et appréhender l’objet cinéma avec ces outils avant d’en venir à la pratique. Cela m’a amenée après mon baccalauréat à suivre des études de cinéma à Paris1 Panthéon-Sorbonne où j’ai fait une licence en cinéma, puis un master en esthétique entre la France, les USA et l’Italie. J’ai passé ma deuxième année de master à Bologne en Erasmus où j’ai écrit mon mémoire pour mon directeur de recherches Dominique Château, en ayant fait ma recherche en Suède.
Pour étudier la réalisation j’avais d’abord envisagé de suivre la Escuela Internacional de Cine y Televisión (EICTV) à Cuba, mais j’ai finalement choisi la Deutschen Film und Fernsehakademie ou Académie allemande du film et de la télévision de Berlin (DFFB).
J’ai passé le concours et j’ai été sélectionnée. Je m’y suis sentie très libre. Dans le cadre de mes études j’ai commencé à faire mes premiers films.
Mon premier long-métrage Gli ultimi a vederli vivere était mon film de pré-diplôme et mon deuxième long-métrage Arthur & Diana celui de fin de diplôme, tous deux ont été produits par l’école de Berlin. Avant cela j’avais fait plusieurs courts et moyens métrages également produits par l’école ou auto-produits de façon indépendante.
Avez-vous des modèles parmi les réalisatrices actuelles ?
Je n’ai pas vraiment de modèles parmi les réalisatrices actuelles. Je suis par contre évidemment féministe et heureuse qu’il y ait de plus en plus de femmes dans ce métier. Le combat pour mettre en valeur la place qui nous revient de droit est juste et absolument nécessaire. À la fois, en ce qui me concerne, je me vois comme une auteure qui fait acte de cinéma et qui n’est pas définie par son genre.
Pour moi faire du cinéma c’est un acte de vie.
Pendant mes études j’ai passé plus de cinq années à me nourrir de cinéma, et pendant cette période j’ai évidemment été influencée et touchée par le travail de nombreuses réalisatrices ainsi que des réalisateurs, et cela se retrouve de façon plus ou moins consciente dans le résultat de mon travail. Parmi ces influences il y a les auteurs actuels et du passé comme : Mia Hansen-Love, Alice Rohrwacher, Agnès Varda, Barbara Loden, Maurice Pialat, Éric Rohmer, John Cassavetes, Michelangelo Antonioni, etc…
Votre premier long-métrage « Gli ultimi a vederli vivere » est une interprétation d’un fait divers dramatique réellement survenu il y a plusieurs années. Qu’est-ce qui vous a motivée pour vous lancer dans la réalisation de ce film ?
Je nourrissais le désir de faire ce film Gli ultimi a vederli vivere dont le sujet m’habitait depuis dix ans. J’avais lu le livre de Truman Capote « De sang-froid » qui raconte un fait divers survenu au Kansas en 1959, où quatre personnes d’une même famille, des fermiers, furent sauvagement assassinées.
Ce qui m’avait particulièrement intéressée, touchée, c’était la première partie assez courte du livre, dans laquelle l’auteur fait un travail de reconstitution après avoir mené une véritable enquête sur ce fait divers pendant plusieurs années, rencontré des témoins, et aussi les meurtriers.
Et ce qui m’a ensuite attirée c’était de recréer une fiction à partir de cet événement réel, de transposer des éléments de la réalité de la dernière journée de cette famille, avant d’être assassinée, dans une autre réalité socio-culturelle, et un autre lieu.
Dix ans avant sa réalisation j’ai moi-même passé du temps à la New York Public Library, aux archives, pour retrouver tous les éléments que Truman Capote avait rassemblés à l’époque, jusqu’à la recette de la « Cherry Py » que la fille de la famille Clutter avait cuisiné avant de mourir assassinée.
Mon film Gli ultimi a vederli vivere recrée une fiction à partir de ce fait réel. J’ai transposé beaucoup d’éléments de la vraie dernière journée de vie du fait divers de 1959, et j’ai recréé un contexte plus contemporain.
J’ai situé l’action de mon film en 2012, dans le sud de l’Italie, et le spectateur est informé d’emblée que les quatre membres de la famille ont été retrouvés assassinés. J’ai raconté la tension entre la vie et la mort de cette dernière journée tout à fait banale de cette famille de quatre personnes, qui ne sait pas que sa fin est proche.
Les interprètes étaient tous des comédiens non professionnels.
Ce film a été réalisé dans le cadre de mes études à la DFFB avec peu de moyens mais avec beaucoup de liberté, et il a été sélectionné à la 69ème Berlinale dans la section Forum.
Ce deuxième long-métrage « Arthur & Diana » est au contraire un road trip très personnel à commencer par la distribution qui comprend votre frère Robin Summa dans le rôle d’Arthur, vous-même dans le rôle de Diana et votre fils Lupo dans son propre rôle.
Que raconte cette histoire où la réalité et la fiction semblent se confondre, quelle était votre intention en la réalisant, et avez-vous rencontré des difficultés particulières sur ce tournage ?
À l’origine de mes films ce sont des images qui s’imposent à moi de façon très visuelle. J’ai eu cette image de mon frère Robin et moi en mouvement, une image presque floue, dynamique, très colorée. Et dans mon film Arthur & Diana c’est à la fois nous et pas nous. Ce sont des personnages hauts en couleur, qui s’inspirent de nous, dans un mouvement vital.
C’est de cette image qu’est née cette aventure, ce désir de se mettre ensemble devant une caméra comme de l’art performatif.
Mon film est autofictionnel. Bien sûr il y a des éléments autobiographiques car on interprète nous-même les personnages, mais l’idée était d’être devant la caméra dans nos dynamiques réelles, dans nos relations réelles frère-sœur, avec mon fils, mais dans un contexte purement fictionnel.
Moi ce qui m’intéresse toujours, au niveau esthétique et philosophique, c’est le contraste, par exemple ici de travailler avec des personnes réelles dans un milieu fictif. J’ai eu envie de jouer, d’expérimenter et de voir ce qui pouvait naître de cette tension, de cette situation.
Très vite l’idée du road trip s’est imposée, pour ce mouvement, cette névrose vitale, et aussi pour des raisons biographiques qui nous mènent à relier de nombreux pays ensemble.
Le projet est né et j’ai convaincu mon frère d’y participer. Pour moi il n’était pas question que je fasse ce film sans mon fils, car il fait partie de ma vie de façon si symbiotique, si nécessaire. Je ne peux me passer de lui et lui de moi, et comme j’allais faire un film qui requiert du temps et une énergie incroyable, il fallait le faire avec lui. Sa présence faisait partie du projet du film qui parle de notre enfance, de la sienne, des relations mère-enfant, de la nostalgie du passé.
C’est un film qui s’inscrit dans cette temporalité passé, présent, futur. Ce travail avec mon fils Lupo avait donc beaucoup de sens.
J’ai écrit un scénario très complet. Mais il est évident dès le départ qu’il y avait un désir de grande liberté, le souhait aussi de cueillir les surprises que ce voyage allait nous réserver. De faire vivre cela avec la réalité de nos relations, et nous ouvrir à la possibilité que des choses se passent entre nous pendant les scènes.
Mon fils Lupo âgé de deux ans était très conscient du processus, il avait compris que c’était un travail de jouer dans cette entreprise créative. Il nous voyait très actifs autour de lui et le matin il me demandait : ce sont mes habits ou mon costume ? Mais pendant les scènes il oubliait en fait tout ça et était simplement dans le moment présent, comme tout enfant de 2 ans.
Évidemment, étant sa mère, j’ai écrit des scènes en sachant comment il allait se comporter. Étant sa partenaire je pouvais le guider à travers mon jeu vers les réactions dont on pouvait avoir besoin, tout en étant sa maman dans la scène.
Les surprises sont venues de Lupo qui a proposé des choses qui n’étaient pas attendues et qui étaient formidables, mais le plus surprenant c’est quand nous avons refait des scènes, il a répété plusieurs fois les mêmes actions, il comprenait qu’il y avait un jeu. Il a d’ailleurs conditionné certaines de nos réactions. Des scènes se nourrissent du moment présent avec des dialogues et des réactions qui sont allés plutôt dans une autre direction que celle écrite.
En ce qui concerne mon frère qui joue le rôle d’Arthur, nous avons élaboré ensemble les personnages de fiction dans nos répétitions avant de commencer le film, pour mettre une distance avec nous-même dans notre rapport frère-sœur. Évidemment ces personnages se nourrissent de ce que nous sommes dans ce rapport fraternel, sans nécessairement exploiter nos vrais conflits mais en en saisissant les vraies tensions. Cette vérité est là, même si les paroles, les rapports et les conflits joués ne sont pas nécessairement les nôtres.
Quant aux difficultés rencontrées pendant le tournage, il y en a eu évidemment causées notamment par la traversée de trois pays d’Europe avec une troupe, une voiture des années 80 pas en très bon état, avec un petit garçon de deux ans et des moyens financiers limités! Mais malgré tout cela, les couacs se sont toujours résolus, aussi grâce à la formidable équipe qui nous accompagnait et a fait partie prenante de cette belle aventure créative.
La « réalité » de l’histoire de « Arthur & Diana » est confortée par la couleur de l’image, le filmage, qui nous donne parfois l’impression d’assister à la projection d’une vidéo amateur, d’un film de famille. Quel dispositif technique avez-vous utilisé ?
Pour la réalisation de ce film nous avons utilisé un dispositif technique particulier composé de trois caméras différentes : deux caméras vidéo des années 90, dont une mini pour filmer à l’intérieur de la voiture, et une Bétacam. On a tourné aussi en 16mn. Nous avons fait un mix de ces trois caméras, et même les images vidéo ont été imprimées en 16mn. Tout le film est en pellicule. La pellicule a quelque chose nostalgique et intemporel.
Cependant le processus technique était complexe à tous les niveaux et il a nécessité énormément de tests. La postproduction du film a duré un an alors que le tournage du film a été de vingt-sept jours je crois. Toutefois, si ces caméras imposent beaucoup de limites au tournage, elles ont l’avantage de requérir un équipage et un dispositif technique plus léger. Cela a contribué à laisser des espaces de liberté plus grands aux acteurs, et permis de perturber Lupo le moins possible.
Ce dispositif de tournage faisait partie de ce choix esthétique qui rappelle des vidéos-amateur, de famille, et la pellicule donne un aspect nostalgique, intemporel, à la fois plus documentaire et plus abstrait, et c’est ce contraste qui m’a toujours intéressée, entre réalité et fiction que l’on retrouve aussi dans mon premier long-métrage.
Quelle importance revêt la musique dans vos films et plus particulièrement dans « Arthur & Diana » ?
La musique est très importante pour moi et elle est présente dès le scénario de mes films. C’est un élément de mon langage. C’est un moyen esthétique qui permet de faire naître une scène.
Une des raisons c’est que mon mari, Ben Roessler, est mon compositeur et mon premier lecteur, et nous travaillons de façon très étroite. Dans mes films il n’y a jamais de musiques de fond, pour colorer une scène.
Dans Arthur & Diana la musique est très éclectique, comme le film. C’était le désir de départ d’avoir différents types de musiques pour accompagner ce voyage un peu fou. Des musiques qui pour beaucoup de scènes sont des musiques intra-diégétiques, où les personnages chantent, écoutent de la musique, mais pas seulement. En effet il y a aussi des éléments musicaux très divers comme la chanson rock qui ouvre le film, ou la musique d’orchestre symphonique qui accompagne la scène du Hibou doré, de la musique Pop, une chanson de fin à la façon de Serge Reggiani, qui a été écrite l’avant-veille de tourner la scène et que nous avons dû apprendre et répéter juste avant de tourner !
La voiture dans laquelle « Arthur et Diana » effectuent ce voyage est également un personnage à part entière de votre film, et c’est aussi le prétexte pour évoquer la mémoire de votre père, l’artiste Pierangelo Summa disparu en 2015. Quelle était son domaine artistique ?
Dans ce film Arthur & Diana il est question de deuil…
Mon père Pierangelo Summa était un créateur de masques, notamment ceux de la Commedia dell’arte, des masques traditionnels en cuir. Mais c’était aussi un metteur en scène de théâtre et plus largement de grandes manifestations théâtrales, dont celle du Palio di Isola Dovarese.
Il travaillait autour de l’objet masque, et son parcours dans ce domaine a été long et approfondi.
Mon frère Robin a fait le choix, il y a maintenant cinq-six ans, de reprendre ce travail, d’y consacrer son temps et son énergie pour faire revivre la mémoire de notre père.
Il a ouvert une boutique atelier dans le centre du vieux Naples, où il travaille. Il confectionne des masques, participe à des expositions, et il a reçu des prix pour son travail. Il a également retranscrit et édité des textes de conférences données sur le masque par notre père.
Mon père est l’un des éléments biographiques qui fait partie de mon film, c’est la démarche à l’égard de la vie et de l’Art qu’il nous a transmise, que nous portons en nous et dans notre travail : mon frère avec les masques, et moi avec mes films qui ont presque toujours à voir avec cette tension entre la vie et la mort.
Je porte toujours l’énergie de mon père, son art à lui, cette dynamique vitale.
Vous bénéficiez d’une reconnaissance des professionnels du cinéma car vos films ont fait l’objet de sélections dans des festivals importants comme La Berlinale, le Festival International du film de Toronto (TIFF), le Trieste film Festival… Est-ce plus facile de ce fait d’obtenir le financement nécessaire à leur production ?
Cette reconnaissance professionnelle de mes deux films, leur sélection, leur projection en premières mondiales dans les grands festivals, leur succès à l’international, leur ont donné une visibilité qui ouvre effectivement des portes.
Réalisés dans le cadre de mon école avec des moyens financiers limités, mes deux premiers longs-métrages ont bénéficié d’une liberté de création, mais la contrepartie reste la difficulté de les faire distribuer. Quand on fait des films avec peu d’argent personne n’a de nécessité à en récupérer, et il est donc difficile d’obtenir l’intérêt d’agents plus importants qui permettraient une meilleure distribution et de toucher un public plus large.
J’espère que je vais pouvoir avancer dans mes prochains films avec plus de moyens, et pouvoir continuer à réaliser ainsi mes désirs de cinéma.
Quel sera votre prochain long-métrage ?
Mon prochain film qui sera tourné en anglais, a pour titre provisoire A safe place. Pour le réaliser j’ai déjà obtenu l’équivalent de l’aide à l’écriture en Allemagne, et il sera produit par une société de production de Berlin, Chromosom Film.
C’est une sorte de « musical », non pas à la Hollywood, mais pour vous donner une idée de l’approche, pensez plutôt aux quelques scènes chantées par Anna Karina dans Pierrot le fou de Godard, ou par Anna Magnani dans Mamma Roma de Pasolini. La musique sera principalement intra-diégétique et le film tourné avec une prise de son direct.
Ce film va raconter une histoire d’amour tragique, dans d’un paysage de neige sur fond de crise sociale et avec un lac gelé pour décor principal. L’action se déroule dans une petite réalité du nord de l’Angleterre, et raconte un premier amour fou entre deux jeunes personnes qui se donnent l’une à l’autre, mais leur relation va être corrompue par la réalité sociale et économique qui les entoure. Dans ce film il y aura aussi des éléments de genre, quelque chose de mystérieux qui hante ce lieu…
